Die Scheidung von Licht und Finsternis

Michelangelo ist dafür bekannt, dass er umfangreiche Arbeit geleistet hat, um biblische Geschichten und Überlieferungen visuell darzustellen, und dieses Stück ist Teil dieses Themas in seinem Werk. Als erstes dieser Gemälde bildet es die Kulisse für das kommende Drama und zeigt dem Betrachter die Vision des Künstlers, wie das Universum begann. Die zentrale Attraktion des Stücks ist natürlich Gott, eine große, muskulöse Figur, die fähig und fast einschüchternd aussieht, als er die beiden kontrastierenden Hälften des Himmels auseinanderreißt. Die Art und Weise, wie sein Gesicht nach oben geneigt ist und sich nicht auf den Betrachter, sondern auf die anstehende Aufgabe konzentriert, suggeriert ihm eine Abgeschiedenheit, die seinem grandiosen Wesen entspricht.

Auch die eigentliche Aufgabe scheint ihm nicht besonders schwer zu fallen. Er ist anmutig posiert, nicht auf eine Art und Weise, die suggeriert, dass jede Art von Anstrengung notwendig ist, um das zu erreichen, was er zu tun versucht. Es ist eine beeindruckende Tat mit viel Bedeutung, aber er ist ihr gewachsen. Die wirbelnden Wolken aus weißer und schwarzer Materie leisten auch hervorragende Arbeit, um die kosmischen Kräfte darzustellen, die in dem Gemälde am Werk sind; Die großartige Idee, die sie darstellen, ist unverkennbar, aber sie sind auch ätherisch genug, um dem Betrachter zu ermöglichen, sich auf einer ursprünglichen Ebene mit ihnen zu verbinden.

Die Pinselstriche, die verwendet werden, um sie zu erschaffen, sind nur ein bisschen weniger glatt und poliert als die, die verwendet werden, um Gott zu erschaffen, was den Eindruck von etwas Rohem und Unraffiniertem mit enormer Kraft vermittelt. Die hellen Wolken sind auch nur ein bisschen markanter als ihre dunklen Gegenstücke; dies macht deutlich, dass, obwohl es ein Gleichgewicht zwischen den beiden Kräften geben muss, die Menschheit letztendlich in einer Welt leben wird, die vom Licht beherrscht wird (oder zumindest könnte dies Gottes Hoffnung sein).

Ebenso wichtig wie die Szene selbst ist jedoch die fette Bordüre, die vier junge Männer zeigt, die sich auf verschiedenen Säulen und Felsskulpturen entspannen, die die Ränder des Stücks schmückt. Einige Gelehrte spekulieren, dass die Figuren durch eine Zugehörigkeit zu Tag und Nacht mit den Konzepten von Licht und Dunkelheit verbunden sein sollen – diejenigen, die den dunklen Wolken am nächsten sind, erscheinen schläfrig, während diejenigen auf der gegenüberliegenden Seite aktiv zu sein scheinen.

Ob dies jedoch Michelangelos Absicht war, wird nicht ganz klar. Eine andere Möglichkeit ist, dass das epische Innenbild in einem vertrauteren Realitätssinn begründet werden soll. Seine weltliche Natur bildet einen merkwürdigen Kontrast zu dem himmlischen Schöpfungsakt, der direkt daneben stattfindet, und legt nahe, dass wir Gott vielleicht nicht nur hoch über uns sehen sollten, sondern auch direkt neben uns und in unserem täglichen Leben gegenwärtig . Schließlich steht das Werk, das Gott im Bilde verrichtet, letztendlich im Dienst des Menschen.

Die Figuren selbst demonstrieren auch Michelangelos berühmtes und unanfechtbares Verständnis der Anatomie des menschlichen Körpers. Während die vier Jugendlichen im Moment nichts Offensichtliches tun, um ihre Stärke zu demonstrieren, ist ihr muskulöser Körperbau ganz offensichtlich. Dies ist in der Kunst der Renaissance üblich, da die getreue Darstellung der realen Welt als einer der höchsten künstlerischen Ansprüche angesehen wurde.

Während Nacktheit aus diesem Grund in Gemälden und Skulpturen eher üblich war als nicht, könnte die einfache Tatsache, dass die jungen Männer nackt sind und Gott nicht, auch ein Zeichen für den Unterschied in der Natur und Macht zwischen den beiden sein – Gottes wogendes rotes Gewand verleiht ihm eine passende Aura von Majestät und Mysterium, während die Menschen um ihn herum eindeutig nichts anderes als gewöhnliche Männer sind.